SÃO PAULO – Após ter cativado o público paulistano com uma das melhores salas de arte brasileira da 25ª Bienal de São Paulo (2002), o pernambucano Gil Vicente volta agora à cidade com uma nova e surpreendente série de trabalhos. Num primeiro momento, tem-se a impressão de que estamos diante de outro artista, bem diverso do autor daqueles enormes desenhos de figuras humanas solitárias e um tanto dramáticas – característica reforçada pelo uso exclusivo do negro do carvão e nanquim. No entanto, rapidamente essa sensação se dispersa e encontra-se nas pinturas sobre papel de coloridos intensos e diversos o mesmo caráter introspectivo, um tanto lúgubre, das obras anteriores.

   Isso é mais perceptível nas obras em que ainda sobram a figura humana ou fragmentos dela, em forte introspecção. Há casos em que a cena retratada é de uma forte intensidade dramática, como a imagem de um tronco humano com os membros decepados sobre o qual repousa uma mão. Sugestões de paisagens, abstrações ou figuras humanas.

   São vários os temas explorados por Gil Vicente nessas pinturas feitas propositalmente de forma despojada. O suporte é papel e a tinta é guache, mas com sutis combinações que ampliam muito a gama de cores.

   Acúmulo, mas sobretudo revisão, desejo de síntese de um artista que gosta de se testar, que passou os últimos anos, desde a bem-sucedida mostra na Bienal, tentando descobrir e eliminar vícios, caminhos fáceis. Brincando, Gil Vicente afirma que os trabalhos que expõe nesse momento são resultado de uma espécie de auditoria que sente necessidade de promover em sua obra.

   Mergulhou na paisagem de sua cidade (exibindo as fotos de cenas urbanas que o inspiram) e revisitou a obra de artistas que lhe são caros na exposição Alheios, que circulou por cinco capitais brasileiras. Também buscou incluir no trabalho uma certa geometria tosca e a paleta popular.

   Inicialmente, ele tentou retomar a pintura por meio da nobreza da tinta a óleo. Mas não gostou do resultado. A experiência com o guache, mais despojado, mas capaz de lhe dar a massa de tinta que desejava. É curioso notar como Gil Vicente parece usar esses trabalhos para brincar com os diferentes campos de tinta, ora deixando-os livres e suaves, ora usando o traço do desenho para estruturá-las. Como escreve Agnaldo Farias, nessa mostra Gil Vicente freqüenta a pintura em várias de suas possibilidades, como que inventariando e resolvendo tudo o que até aqui ele conseguiu acumular.

   O público pernambucano pode conferir, no Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (Mamam) a edição de 2003 do Panorama da Arte Brasileira, promovido a cada dois anos pelo Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP). Esta é a terceria vez que as obras de um Panorama chegam ao Recife, mas a versão atual traz algumas novidades em relação às mostras anteriores. Criado para funcionar como uma espécie de evento off-Bienal de São Paulo, apresentando artistas mais jovens e menos conhecidos, evento do MAM sempre se pautou pela pretensão de fazer um resumo de algumas das novas tendências da arte brasileira. Desta vez, entretanto, A instituição paulista decidiu arriscar e convidou curadores de fora do País para fazer a seleção. O resultado agradou a uns, desagradou a outros, todavia não foge muito de certas linhas gerais presentes em quase todas as coletivas de artistas brasileiros.

   Para realizar o Panorama 2003 foram chamados o curador cubano Gerardo Mosquera e a panamenha Adrienne Samos. Eles visitaram 11 capitais brasileiras para garimpar os nomes que compõem a mostra. Embora o número de cidades seja bem reduzido, Mosquera já tem bastante familiaridade com a produção contemporânea do País. Ele foi um dos idealizadores da Bienal de Havana, tendo organizados as três primeiras edições da mostra, que sempre contou com a participação de nomes do Brasil. Além disso, já levou obras do País para mostrar nas exposições interncionais que organizou e foi um dos responsáveis pela mostra de Cildo Meireles em Nova Iorque, onde trabalha como curador do New Museum of Contemporary Art.

   Apesar desse do bom trânsito entre artistas do País, Mosquera e Samos não conseguem se livrar de um certo olhar ‘estrangeiro’. Esse estranhamento, para o bem e para o mal, repercute na seleção das peças. O próprio Mosquera admite que um dos pontos de partida de sua curadoria foi a visão, um pouco pejorativa, que se tem lá fora de que a arte brasileira é excessivamente ligada ao construtivismo. “Realmente, é verdade que há alguns aspectos da arte daqui muito ligados ao construtivismo, mas não ao seu padrão clássico e sim a uma certa tendência de desestruturá-lo, por isso, o Panorama de 2003 recebeu um subtítulo: (Desarrumado) 19 Desarranjos, que diz respeito a essa perversão da organização”, explica o curador.

   Nesse caso, não foi à toa que alguns críticos julgaram o Panorama da Arte Brasileira muito literal, questionando o que chamam de obviedade do trabalho. Mesmo assim, Mosqueira e Samos conseguiram garimpar novos nomes, como o do paraense Marcone Moreira, de apenas 21 anos, que desconstrói barcos de madeira e grades de caminhão para remontá-los como curiosos painéis de madeira. As ‘pinturas’ de Moreira trazem uma textura gasta, aparência tosca e uma amostra muito popular de combinação de cores – já que ele mantém as cores originais aplicadas pelos barqueiros e caminhoneiros –, mas, ainda assim, não trazem nada de muito novo, senão a presenção do artista na cena brasileira. Outro nome desconhecido do circuito artístico nacional é o do brasileiro radicado em Nova Iorque Alex Villar, que apresenta uma série de fotografias nas quais cabe ao seu corpo o papel de resignificar o espaço. Suas obras têm muito em comum com as imagens realizadas pelo pernambucano Carlos Mélo, que chega às vezes a ser mais ousado nas proposições.

   E para descartar completamente a idéia de uma coletânea de tendências da arte do País, os curadores ainda apresentam na mostra obras de nomes mais que consagrados no cenário artístico nacional, como Cildo Meireles, Ernesto Neto, Vik Muniz e Leonilson, morto em 1993. Três estrangeiros também fazem parte da seleção: o belga Win Delvoye, a chinesa Kan Xuan e o argentino Jorge Macchi, jogando ainda mais polêmica nesta edição do evento.

   Depois de percorrer os três andares do Mamam, o público certamente sairá convencido de que, de fato, a arte brasileira trava um diálogo intenso com as correntes construtivas da arte, mas não é por acaso que o criativo (e brasileiríssimo) neoconcretismo nasceu aqui. As pessoas também poderão afirmar que esse traço é apenas um dos enfoques, entre vários, pelos quais se pode alinhavar a produção plástica brasileira. Corre-se o risco de, neste caso, ter-se buscado um caminho fácil.