(© JC Online)

Criador sem limites, Samico sonha com a pintura

Inés Hebrard, Isabella Valle e Milena Times*
Especial para o JC OnLine

Nascido no Recife em 15 de junho de 1928, Gilvan José Meira Lins Samico é personalidade marcante nas artes plásticas brasileiras. Com mais de 50 anos de carreira e às vésperas de completar 80 anos, um dos maiores xilogravuristas do País conta que tem o sonho antigo de pintar e que a gravura aconteceu por acaso na sua vida. "Eu não sei o porquê, porque eu deveria estar conformado em ser somente gravador. Mas eu lhe digo que tenho um certo ranço por não ser pintor", diz ele, famoso chato dono de um sorriso cativante e de um espírito muito vivo.

Para Gilvan Samico, o uso da cor é algo tentador e a pintura liberta essa tentação. "Até hoje (como gravador) eu uso a cor. Eu sinto necessidade de pintar", conta o pai de Luciana e Marcelo e marido de Célida . Iniciado em desenho, Samico participou na década de 50 do Ateliê Coletivo da Sociedade de Arte Moderna do Recife (SAMR), onde diversos artistas se reuniam para exercitar as artes plásticas e encarar desafios. "A gente vivia numa pindaíba danada", lembra Samico, "a gravura foi um negócio de Abelardo (da Hora), porque a gente não tinha dinheiro". A idéia era criar um clube da gravura, em que cada um criaria uma matriz periodicamente e eles buscariam sócios. Assim, Samico diz que se obrigou a fazer uma matriz. "Eu não queria fazer gravura, mas eu não queria dizer não. Então, cedi." Até aquele momento, Gilvan desenhava e já estava pintando, mas nunca se imaginou o gravurista que é hoje.

Viver das artes plásticas não é fácil e muitos desistem da carreira. "Por que eu vou ficar pintando, pintando, pintando, se ninguém compra meu trabalho? Você gostaria é que alguém se interessasse por isso", reflete, lamentando a falta de sucesso de suas pinturas.

A gravura foi acontecendo na vida de Samico. Quando criança, não vivia com lápis e papel na mão, mas, como não era um bom aluno, adorava as atividades mais artísticas da escola. Seu negócio era serrar madeira, bater prego, fazer carrinho, patinete, gaiola. Gostava de usar as mãos e sempre teve intimidade com a madeira, que hoje utiliza para fabricar suas matrizes.

Um dia, ainda pequeno, descobriu um caderno de desenhos jogado na garagem da tia e ficou "deslumbrado com aquele negócio", como ele mesmo descreve. Foi quando começou a desenhar, copiando capas de revistas, imagens de santinhos, tudo o que via. Aos 17 anos, Samico foi levado pelo pai para conhecer Hélio Feijó, arquiteto, artista plástico e, na época, presidente da SAMR, que disse para ele parar de copiar revistas e observar mais a natureza. A partir daí, ele passou a freqüentar a Sociedade de Arte Moderna, onde fez grandes amigos.

Indicado por eles, Samico estudou com dois dos mais conceituados gravadores do País, Lívio Abramo e Oswaldo Goeldi, quando decidiu se aventurar pelo Sudeste no final da década de 50. Eram as circunstâncias que traçavam seu destino. "No primeiro Salão que houve no Rio, eu mandei e aceitaram minhas gravuras. Você só falta chorar, né?". No outro ano, Samico enviou novamente suas gravuras e todas foram aceitas. A partir daí, ele começou a ser convidado para exposições coletivas no exterior. "Foram me aceitando como gravador e não tinha lugar pra ficar pintando. Tinha que trabalhar!". E ele foi sendo tomado pela xilogravura. Participou da Oficina Guaianases de Gravura, fundada por João Câmara, e virou o maior xilogravurista do Movimento Armorial. Hoje ele quase não pinta mais.

"Samico virou gravador, porque continuou aquilo que ele fez lá em São Paulo e eu abandonei, porque eu queria ser pintor. Naquela época, o Brasil era brilhante em duas coisas: gravura e desenho", lembra o pintor José Cláudio, alegando que Samico escolheu seguir essa tendência enquanto ele foi para a Itália estudar pintura. Mesmo indo de encontro com os primeiros desejos de Samico, o panorama artístico do Brasil é o maior beneficiado com o destino que fez do artista um grande nome da xilogravura.

RECONHECIMENTO - Pensar que Samico queria ser pintor, sendo tão bom e reconhecido gravador, levanta um questionamento sobre o reconhecimento da gravura como arte. O artista explica que essa "ponta" de frustração pode ser conseqüência de algum resquício inconsciente de um tempo em que a gravura foi considerada arte secundária, que surgiu e se estabeleceu por muito tempo na História com a finalidade de reproduzir. Livros eram ilustrados por desenhistas e pintores, que tinham sua obra reproduzida por gravadores, que a transformavam em talha para a impressão. "O camarada às vezes transformava uma coisa enorme em uma gravura que cabia na folha do livro! Reproduzia todas aquelas nuances, encontrava jeito de dar o tom geral do quadro através de cinzas e pretos", defende.

Com o Expressionismo, o gravador se tornou também artista: ele cria, desenha, pinta, grava e reproduz. "Eles (os expressionistas) conseguiram dar à gravura uma espécie de autonomia, de caráter de obra de arte". O famoso quadro O Grito, de Münch, por exemplo, também possui uma gravura de mesmo nome e feita pelo mesmo autor. "O meu complexo tá atenuado por conta disso. Eu não me sinto um serviçal, eu também sou rei. Faço. Imagino e faço!"

Por conta da sua história, a gravura ainda é uma arte polêmica. Seria cada uma apenas uma cópia, uma reprodução? Qual é a original? "Na verdade, são impressões, não cópias de outra gravura. Cada uma é um exemplar". E, feito à mão, ele dificilmente fica idêntico a outro. O tom das cores, a intensidade, o preenchimento dos sulcos, cada detalhe é que vem a tornar cada obra singular, dando à gravura o caráter da exclusividade da obra de arte.

AVE BICÉFALA - Em 1999, Samico reinventou seu trabalho: ele criou uma gravura mutante. Diz ele que foi para testar uma nova prensa, mas talvez tenha sido para dar a sua obra certas particularidades da pintura, que tanto o atrai. E só agora, quase dez anos depois, é que ele está imprimindo o inovador Ave Bicéfala.

Nessa gravura, que chama atenção por seu colorido, ele expõe um pássaro de duas cabeças e deixa por parte do cliente eleger as cores que preenchem alguns espaços, como a crista e a asas da ave. Em alguns outros locais, as cores são fixas e pré-estabelecidas por Samico (as cabeças, por exemplo, são sempre azuis). Contudo, a intenção dessa gravura é a de promover um intercâmbio de cores, uma permutação, com uma variação já prevista.

Samico tem a tendência de usar cores contidas, mas, nessa obra, ele se permite mudar. "Eu tou quebrando, tou fazendo uma gravura diferente da minha, ao mesmo tempo em que ela se identifica com meu trabalho... É uma doidice!". Segundo o gravurista, ele não tem muitas idéias assim, diferentes, mas as mudanças vão acontecendo e, mesmo depois de tanto tempo, ele ainda consegue inovar.

Ave Bicéfala, por ter uma dimensão menor que a maioria das gravuras de Samico, é mais barata, "mas tá me dando mais trabalho que uma outra, grande". Até agora, a gravura só havia sido impressa nove vezes, existindo ainda muitas possibilidades de novas colorações para a ave. 

* - Do curso de Comunicação Social da Universidade Federal de Pernambuco

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Meu trabalho é como um carinho na madeira

Inés Hebrard, Isabella Valle e Milena Times*
Especial para o JC OnLine

Gilvan Samico aparece na varanda de seu casarão, em Olinda. Desde as alturas, sério e seco, grita: "Hoje?! Né hoje, não. Voltem na quarta!" - e entra de novo na casa. Está brincando? Entreolhamo-nos até que o homem abre a porta, abotoando a camisa e nos convida a entrar. Brincava. A grande sala, repleta de xilogravuras e quadros, produz uma sensação entre intimidante e acolhedora, como o própio artista. Gilvan avisa que podemos falar "até do sexo dos anjos", mas não toquemos no assunto de seus 80 anos. Pronto: esqueçamos a idade, falemos de experiência de vida. Com propriedade e pragmatismo, sentado em sua cadeira de balanço e com os dedos manchados de tinta preta, Samico fala sobre os limites entre o artesão e o artista. 

Samico, ninguém discute que você é um grande artista, inclusive erudito. Mas, por trabalhar com xilogravura, você também se considera artesão?
Sim. Algumas pessoas ficam surpreendidas quando eu digo que me considero artesão. Eu gosto de fazer coisas que não têm nada a ver com arte, gosto de consertar, de fazer coisa em madeira, que não é a minha arte. Mas eu também faço minhas matrizes. E, quando eu estou fazendo minhas matrizes, estou juntando madeira com madeira pra fazer uma tábua deste tamanho, aplanando, lixando. Aí eu estou sendo artesão. Artesão trabalhando para o que eu vou fazer de arte. Claro que, no momento em que eu faço meu trabalho, eu não quero contrariar o signficado da coisa: artesão, digamos, numa escala, estaria abaixo do artista. Artesão é como se não chegasse a ser arte...

O que faz alguém passar de artesão e chegar a ser artista?
O artista não fica só no objeto para uso. A arte não tem utilidade, a não ser para a gente pendurar na parede. Um artesão trabalha com utilitários: uma mesa, uma matriz...
Nós, artistas, sabemos que habilidade só não faz um artista. O artista é aquele capaz de acrecentar alguma coisa. Tem que ter algo mais, não somente de conhecimento, mas também inteligência (você pode ser um grande conhecedor de um assunto, sem ser inteligente). Quem lida com a arte sabe que você pode suprir o conhecimento pelo olho, pode ver o que não é aparência, começa a ver as nuances... O artista vê sem ter conhecimento ou, então, teve um conhecimento prévio e o aplica na hora de fazer.

Como o fato de você ser artesão se relaciona com o seu trabalho de artista?
Eu acho que ser artesão ajuda muito para você ser artista. Eu complemento meu trabalho de artesão com a minha veia artística, com essa coisa misteriosa que eu não sei o que é, de onde veio, nem pra que serve. Mas eu não preciso ser artesão para ser artista: poderia chamar um marceneiro e mandar fazer minha matriz. Mas, em vez de mandar fazer, eu faço. Então essa parte de artesão, que outro artista não tem, eu sei fazer, eu me preocupo com ela, com essa coisa que antecede.

Ser artesão é um diferencial na sua obra?
Quando era jovem, eu ouvia dos marceneiros  que, depois de que a tábua tava montada, eles iam afagar a madeira. É um termo carinhoso, uma coisa que parte do coração... Para mim também, meu trabalho é como um carinho que eu tivesse fazendo com a madeira e falta isso em alguns artistas.

No trabalho com xilogravura, existe um processo que envolve o entalhe da madeira. Você considera que a obra é a matriz de madeira ou a impressão feita em papel?
Considero que minha obra termina na impressão. Não é necessário que estejam os 120 exemplares prontos. Mas, se você grava uma matriz, a gravura só vai ser terminada ao ser copiada porque até então é uma gravura, sim, mas precisa dessa complementação com a impressão. Enquanto é uma madeira talhada, trata-se de uma talha rasa e, ao meu ver, só se completa quando você termina o processo de impressão. Certamente, a matriz de madeira é tão importante do ponto de vista artístico quanto a gravura impressa. Sem a matriz, você vai imprimir o quê? Nada. A matriz é uma arte, sim, não deixa de ser, mas dentro daquele processo. Se você está fazendo gravura, isso subentende um rebatimento da coisa, seja num papel, num pano...

E quando, então, a gravura começa?
No meu caso, o trabalho começa quando você projeta essa gravura e esse é o projeto mais demorado. Eu desenho inúmeras vezes: sou capaz de criar um desenho em 20 dias, mas dificilmente me dou por satisfeito nesse tempo. E não gravo enquanto eu não estiver com a idéia toda pronta no papel. A cor vem depois. Mas o mundo das artes é muito complexo, tem várias maneiras de trabalhar, tem pessoas que acham que o importante é o resultado, e que não importa o processo. Tem artista que vê a madeira, risca e começa a cortar, como se ele já soubesse o que quer fazer no momento que começa a riscar a madeira. Eu não. Eu acho que é muito importante todo o processo. Se você não usar um processo com certa coerência, o resultado talvez seja incoerente. Esse não é um campo que a gente possa pisar com tranqüilidade.

(© JC Online)

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